Synopsis:

John Hancock a des pouvoirs de super héros. Il vole, les balles ricochent sur sa peau, il est super-rapide et super-fort. Forcément, les truands de sa ville, Los Angeles, ne l’aiment guère. Le problème, c’est que les autres habitants non plus. Hancock est un semi-clochard alcoolique, et chacune de ses interventions se solde par des dégâts matériels colossaux.

Il sauve un jour un homme, Ray Embrey, conseiller en relations publiques, qui essaye vainement de convaincre des multinationales de participer (financièrement) à une bonne cause. Ray Embrey lui propose de le «coacher» pour lui faire retrouver l’estime de ses concitoyens.

Mon avis (avec pas mal de spoil, mais moins pire qu’ici)

Je ne sais pas trop quoi penser de ce film. Au premier abord, c’est une bonne comédie américaine, de celle qui ne se moquent pas de ses personnages (comparez avec unCamping par exemple!) mais leur donne une vraie profondeur. John Hancock, c’est un superman déchu, plutôt touchant par moments. En même temps, on est face à une «comédie d’action», sertie de rares gags répétitifs et de scènes d’action hollywoodiennes un peu vaines. Mais le film a un certain potentiel, et on est prêt à pardonner la mise en scène efficace-et-pas-inspirée.

Sauf que ce potentiel est gâché vers le milieu du film. D’une comédie autour de deux personnages, Hancock (Will Smith, plutôt bon) et son «coach» (Jason Bateman, excellent), on passe à une histoire de science-fiction plutôt quelconque. Il y avait pourtant de nombreuses pistes intéressantes pour cette intrigue. Le pire, c’est que le personnage d’Hancock perd beaucoup en humanité dans cette deuxième partie, tandis que celui de Ray Embrey disparait presque.

Dommage, vraiment. Ça ne commençait pas comme un film génial, mais ça ressemblait à une comédie américaine plutôt correcte. Pour moi, ce film est un essai non transformé.

Le film sur lequel j’ai jeté mon dévolu est un long-métrage d’Alexandro Jodorowsky. J’avais vu il y a quelques années un film de ce cinéaste–metteur-en-scène—scénariste-de-bandes-dessinées (pour ceux qui connaissent un peu: l’Incal, le machin incompréhensible et un peu fumeux illustré par Giraud alias Moebius, c’est sa faute à lui). Le film s’appelait Fando et Lis, et c’était un trip symboliste sous acide, ou quelque chose du genre.

Ce film-ci, dont j’ai manqué les premières minutes, est un western un peu étrange, tourné semble-t-il en espagnol. À l’instant, un chef de bande style pillard mexicain, avec col en fourrure (…), s’essuie le visage avec les pages d’une bible (type bible à 42 lignes de Gutemberg), met en route un gramophone, et avec ses sbires fait danser des moines franciscains retenus en otage. Et ça tue des pauvres peones pour le plaisir, sans que le réalisateur s’attarde une seconde sur ce point: ça n’est probablement pas le sujet du film.

Je reviens vers vous dès que j’en aurai compris un peu plus

Mort du Colonel

Voilà, les choses se précise. Aperçu au début du film, voici un justicier solitaire en costume sombre, élancé (tandis que notre pillard, nommé «le Colonel», est ventru, a le visage maquillé de blanc, et s’habille en Napoléon de pacotille), et barbu. Élégant et barbu: c’est une figure christique. Le Colonel demande d’ailleurs: «qui es-tu pour me juger?», et notre Christ de répondre: «Soy Dios» («Je suis Dieu»). On sent pointer le symbolisme un peu lourd, quoique pas toujours facile à cerner: notre Christ se balade avec un enfant nu (…), livre le Colonel à ses sbires qui l’émasculent avant qu’il ne se suicide, abandonne l’enfant aux Franciscains et embarque la gonzesse du Colonel. N’allez pas chercher un bout de morale chrétienne ici.

(…)

Le désert

La dame embarquée est désormais nommée Mara, en résonnance au nom de l’eau amère d’un récit biblique impliquant Moïse (est-ce lié aux eaux sur lesquelles l’enfant «sauvé des eaux» fut retrouvé dans le récit, ou bien à une des douze plaies d’Égypte? je ne sais plus trop). Mara et celui qui est sans doute El Topo (du moins j’ai décidé de l’appeler ainsi) vont se perdre dans le désert. C’est là que Mara met El Topo au défi de tuer les quatre maîtres du révolver qui peuplent le désert. El Topo accepte.

(Entre deux épisodes, on trouve des images où Jodorowsky passe du sable à l’eau: les personnages se baignent ou s’engloutissent aussi bien dans le sable que dans l’eau d’un lac ou d’une oasis. La nudité, la pénétration et la pulsion de meutre se mêlent à ces plongées dans l’une ou l’autre matière.)

Les quatre maîtres du désert

El Topo s’acquitte de sa tâche avec beaucoup moins d’aisance qu’on ne l’aurait cru. La figure christique a disparu, et c’est un homme apeuré, presque un enfant, qui rencontre et tue (le plus souvent par traitrise) les différents maîtres. Le rapport de force entre l’homme et la femme a résolument changé. Mais une deuxième femme (sortie d’on ne sait où) vient se joindre à l’expédition et trouble le jeu. Elle a clairement l’ascendant sur la première (lors d’une scène, elle lacère le dos de Mara de son fouet, avant d’embrasser son dos meurtri).

Les quatre maîtres sont tous plus étranges les uns que les autres: un aveugle assorti de deux infirmes, un berger perfectionniste, un vieillard sans révolver. Le film continue de se dérouler et les trois premiers maîtres sont morts. Le quatrième se suicide pour démontrer que la vie ne lui importe pas (un trait commun à tous les quatre, semble-t-il).

La mort

Je me rappelle maintenant un peu de Fando et Lis, un film qui semblait s’annoncer comme une quête mais où l’on comprend vite que le concept de quête est vain: la seule chose qui attend les protagonistes, c’est une errance démentielle, entre la chair, la mort, la souffrance, le plaisir, l’insignifiance.

La figure christique n’existe plus. L’homme a maintenant les cheveux éparpillés, la barbe sale et ternie, le regard dans le vide. Il marche maintenant en haillons sur un pont au dessus d’un précipice, se lamentant: «Mon Dieu, pourquoi m’as-tu abandonné?». Il écarte les bras tandis que la deuxième femme lui transperce de ses balles chaque pied et chaque main. La première femme, Mara, assène le coup au flanc. Si ça ne vous dit rien, il vous manque quelques notions de culture chrétienne de base. Revoici donc la figure christique, mais nous n’avons ici que la mise à mort, aucun martyre et aucune rédemption universelle. À quoi bon? Y aura-t-il une résurrection cinq ou dix minutes de pellicule plus tard?

Symboles sans signification?

Ce qui est saisissant, c’est que malgré l’avalanche de symboles (religieux, psychanalytiques, surréalistes, nonsensiques…), rien ne fait sens. Chaque scènette pourrait être analysée, mais l’accumulation de toutes ne colle pas: elles se contredisent souvent entre elles, ou bien leur seul nombre empêche toute interprétation. Donc: soit le message est délibérément obscur, soit il n’y a pas de message. Jodorowsky pratique peut-être une sorte de nouveau symbolisme: de même que le nouveau roman déconstruisait le roman, le nouveau symbolisme déconstruirait le symbolisme; les symboles ne font plus sens.

Si on veut tout de même chercher des explications plausibles, un message ou un propos, voici mes candidats jusqu’ici:

1. Le message est qu’il n’y a pas de message possible (hypothèse «nouveau symbolisme»).
2. Le message est que toute chose est insignifiante et que toutes choses sont égales (vie, mort, sexe, domination, juissance). Cela colle bien à toute la partie du film jusqu’à la mort d’El Topo.
3. Le message est une déconstruction du mythe chrétien, avec ce personnage qui suit un parcours christique détourné, puis ressuscite pour déclarer: «ce n’est pas mon visage!» (il se rase alors la barbe et les cheveux, reniant le rôle de messie auquel on l’appelait). La deuxième partie met en scène une ville dominée par de vieilles rombières exclavagistes et apparemment nymphomanes qui font marquer au fer rouge le symbole du divin (un œil dans un triangle) sur la peau de leurs esclaves.

Je penche pour la première solution, mais je crains que la vraie réponse ne soit à chercher dans un jeu de construction d’images (les symboles n’étant alors que des prétextes). Difficile à dire pour moi, qui suit très peu sensible aux images (un film est pour moi, sur le plan esthétique, une bande son et des ambiances). De ce point de vue, El Topo me semble esthétiquement un peu pauvret.

Fin des hostilités

Un peu intrigué par ce film au début, j’avoue ne pas y avoir trouvé un grand intérêt, notamment dans cette deuxième partie (qui semble confirmer la satire chrétienne mais le trait est tellement chargé que j’ai du mal à y croire). Je pense donc écourter mon visionnage de film (j’en suis à 1h40 sur 2h de film environ), ou du moins finir mon commentaire simultané ici.

Pour une vraie critique, on pourra lire celle du Dr Orlof: Western sous acide. Je vous recommande d’ailleurs la lecture assidue de son remarquable blog.

Clooney est déjà, de l’avis de beaucoup, l’américain le plus sexy de ces dernières années. Et si Steven Soderbergh l’a choisi pour interpréter Danny Ocean (Ocean’s Eleven, Ocean’s Twelve, Ocean’s Thirteen), le voleur le plus classe du monde, ce n’est sans doute pas par hasard.

Mais dans Good Night, and Good Luck. l’homme le plus classe du monde c’est lui: David Strathairn.

Mais si je vous en disais un peu plus sur ce film?

Synopsis

Dans les années 1950, aux États-Unis, le sénateur Joseph McCarthy mène une chasse aux sorcières contre les communistes dans les administrations, l’armée, mais aussi les médias et le cinéma. De 1952 à 1954, il mène des enquêtes au nom d’une commission spéciale du Sénat américain dont le but est de traquer les «Rouges». Plus généralement, il participe à et inspire le climat de suspicion généralisé, de 1950 à 1956, parfois désigné sous le nom de «Terreur Rouge».

Outré par les méthodes de McCarthy et les atteintes aux libertés civiles, le journaliste Ed Murrow (David Strathairn) décide avec son collègue Fred Friendly (Clooney) d’attaquer McCarthy de front. Dans un épisode de la série documentaire See It Now qu’il présente sur sur une des trois chaines de télévision de l’époque, la Columbia Broadcasting System (CBS), Murrow démonte le «système» McCarthy, qui érige la suspicion en preuve et nie la liberté de conviction.

Cette attaque par un journaliste sérieux et respecté contribuera à décrédibiliser McCarty aux yeux du public. Le sénateur sera censuré par le Sénat, et définitivement écarté de la politique.

Mon avis

On est un peu surpris en voyant ce film entièrement en noir et blanc et se déroulant presque entièrement à huis clos. En effet, l’univers de Good Night, and Good Luck. ce sont les locaux de la chaine CBS: salle de rédaction, bureaux, et bien entendu studio de télévision. Les personnages sont parfois montrés en dehors de ces locaux, mais l’essentiel des apports du «monde extérieur» est indirect: images de ramenées par un reporter, journaux du jour, appel téléphonique, nouvelle apportée par l’un ou l’autre.

Ce film ne cherche donc pas à faire exister ses personnages au quotidien, chez eux, avec leur femmes ou enfants. Tout se passe à l’intérieur, là où l’on construit les reportages, pour enfin les assembler et surtout les amener avec le plus de force possible: en direct, dans le studio de télévision. Good Night, and Good Luck. est un film sur l’image, la parole et le journalisme. En cela, c’est un hommage au journalisme de télévision tel qu’il a été incarné par Murrow en 1954, plus qu’une condamnation du maccarthisme.

À mes yeux, c’est une réussite. Le film est relativement court (un peu moins d’une heure trente), et est bien rythmé. L’image en noir et blanc est très belle, et les images d’archives s’y intègrent très bien (j’ai cru un moment que McCarthy était joué par un acteur, mais non: à chaque fois qu’on le voit, il s’agit d’images authentiques!). On a parfois l’impression de regarder un documentaire, mais qu’on ne s’y trompe pas: il s’agit bien de cinéma, et Clooney s’intéresse plus à l’image qu’aux faits.

Et à l’image, Clooney magnifie David Strathairn, qui incarne Ed Murrow. Lui-même se contente d’un rôle secondaire, très en retrait par rapport au journaliste-présentateur. C’est donc David Strathairn qui répètera, à la fin de chaque émission, la phrase d’envoi fétiche d’Ed Murrow: «Good night, and good luck.» (bonsoir, et bonne chance).

Au final, le film m’a laissé une très bonne impression. J’ai apprécié que Clooney joue à fond la carte du «huis clos», du moins dans l’esprit, en utilisant pour seuls éléments musicaux les images et le son d’un enregistrement de chansons jazz dans les studios de CBS. On retrouve donc, à plusieurs moments dans le film, de sortes d’intermèdes musicaux où les images d’une chanteuse noire et de son band se mêlent à celles des journalistes. C’est peut-être un peu «facile» comme procédé, mais j’ai beaucoup aimé.

Verdict: un film à voir, peut-être pas un grand film (j’ai eu parfois l’impression qu’il manquant «quelque chose», mais sans savoir quoi…) mais un film plaisant et intéressant.

Disponible en DVD à prix fort raisonnable.

Les Désastreuses aventures des orphelins Baudelaire

Film de Brad Silberling d’après les romans de Daniel Handler (sous le pseudonyme de Lemony Snicket), 2004.

Synopsis: Monsieur et Madame Beaudelaire ont trois enfants: Violette (ingénieuse inventrice de 14 ans), Klaus (bibliovore d’une douzaine d’années) et la petite Prunille qui s’exprime par sons et aime par dessus tout mordre (façon pitbull) ce qui lui passe sous les dents. Les époux Baudelaire sont aussi très riches, et cela les mènera à leur perte: ils périssent dans l’incendie criminel de leur demeure. Les trois enfants Baudelaire, rescapés, sont alors confiés à un lointain cousin au énième degré, le vil comte Olaf (Jim Carrey), un acteur manqué et mégalomane. Il s’avère bien vite que celui-ci, ayant obtenu la tutelle, ne souhaite qu’une chose: éliminer les trois gamins pour empocher l’héritage. Ceux-ci fuient alors, sont confiés à des oncles et tantes plus étranges les uns que les autres et qui finiront tous zigouillés par l’obstiné Olaf.

Le compte Olaf, au naturel (au centre) et déguisé (sur les côtés)

Mon avis: Le film est plaisant à regarder, le rythme est enlevé et Jim Carrey campe plutôt bien un comte Olaf à la fois effrayant et ridicule. Ce méchant de cinéma est plutôt surprenant, à la fois classique et original. Le film lui-même, par contre, n’est pas très surprenant, et les péripéties des orphelins Baudelaire ne sont pas toujours son point fort. Par contre, le film est très beau. Les décors et costumes sont magnifiques, et surtout le jeu des ombres et des lumières est parfait. J’ai aussi beaucoup apprécié les génériques de début et de fin, à l’esthétisme soigné. Les Désastreuses aventures des orphelins Baudelaire est un véritable plaisir pour les yeux, à la fois ludique et soigné (avec un grand sens du détail).

Disponible en DVD, à pas trop cher.

Jules et Jim

Film de François Truffaut, 1962. Avec Jeanne Moreau (Catherine), Oscar Werner (Jules), Henri Serre (Jim).

Synopsis: Jules, étudiant autrichien, et Jim, étudiant français, sont deux amis inséparables dans le Paris de 1907. Tous deux tombent amoureux de la même femme, la très impulsive Catherine. Catherine épousera finalement Jules, puis la guerre séparera les deux amis. Après la guerre, Jules invite Jim à le rejoindre lui, sa femme et leur petite fille, dans le chalet de montagne où ils vivent. Là, Jim tombe à nouveau amoureux de Catherine, qui se désintéresse de son mari. Jules, résigné suite à de nombreuses incartades de sa femme, confie Catherine à Jim, espérant ainsi ne pas la perdre complètement.

Mon avis: Je ne connaissais pas du tout le cinéma de Truffaut, aussi la diffusion de ce film sur Arte était-elle l’occasion de le découvrir un peu. J’ai beaucoup apprécié ce film. Pas tellement pour son histoire — au demeurant plutôt intéressante — mais pour la manière dont elle est racontée. Les personnages sont posés en pleine lumière (comme si le cinéaste voulait les scruter), livrent des phrases qui sonnent comme des sentences, et une narration en voix off vient par moments faire avancer la trame, ou plus souvent exposer les états d’âme des personnages. C’est un cinéma un peu étrange pour moi, plus adapte des demi-tons et des paroles masquées, mais cela fonctionne très bien. Ce qui est remarquable, c’est que bien que le film soit très écrit, très littéraire (versant roman vingtième siècle), il reste très visuel. On pourrait presque se contenter de voir le film par moments, et à d’autre se contenter de la bande son.

Disponible en DVD aussi, mais à plus cher.

Millenium Actress

Film d’animation de Satoshi Kon, 2001.

Synopis: Un réalisateur de documentaires et son cameraman vont interviewer une ancienne actrice de 70 ans, Chiyoko Fujiwara, ancienne grande star du cinéma japonais. Le réalisateur, Genya, lui remet à l’occasion une clef ancienne attachée à un cordon: un objet qu’elle avait perdu trente ans plus tôt, à l’époque où elle avait subitement mis fin à sa carrière pour partir sans laisser d’adresse. Le retour de cette clef provoquera le retour de souvenirs anciens, qui commencent avec la rencontre entre la jeune Chiyoko et un militant révolutionnaire poursuivi par les autorités japonaises. Commence alors un voyage où s’entremêlent la vie de Chiyoko et les personnages qu’elle incarnera au cinéma.

Chiyoko incarnant divers personnages

Mon avis: Attention, chef d’œuvre! Dans Perfect Blue (l’histoire d’une ex-chanteuse d’un groupe commercial qui tente de devenir actrice, et qui se retrouve poursuivie par un fan déçu et meurtrier), Satoshi Kon mélangeait déjà réalité et fantasme, et l’on passait de l’un à l’autre de manière presque imperceptible. Ici, le procédé est le même, mais le propos est plus léger. Les personnages qu’incarne Chiyokoh en retraçant les films de sa carrière forment en réalité un seul personnage: une jeune femme qui tente désespérément de rejoindre ou de secourir un homme (mari, amant, inconnu…). Le film est très rythmé, et on passe des scènes de films tournés par Chiyoko (où Genya et son cameraman s’incrustent, Genya allant jusqu’à interpréter un rôle) aux scènes de tournage et rares scènes de la vie «hors cinéma» de Chiyoko, les trois se mélangeant allègrement. Pourtant, le film reste très lisible, et l’histoire avance dans les époques (les films se déroulant d’abord au Japon médiéval, puis au 19e et 20e siècle) et dans la vie de Chiyoko. Satoshi Kon fait preuve d’une maitrise de la narration impressionnante. Et pour ne rien gâcher, le film est souvent très drôle, grâce aux personnages des «observateurs», Genya et le cameraman.
Le film est de plus très beau, et l’animation est irréprochable.

Disponible en DVD itou, à prix raisonnable.

Le navet est un légume fantastique.

J’apprends au détour d’une page de Wikipédia qu’il existe de multiples variétés de navets, avec des navets légumes (Long noir de Caluire, Jaune d’Écosse, De Nancy à collet rouge) et des navets fourragers. Si si.

Mais le navet qui nous intéresse ici, c’est l’inimitable navet d’Holywood, qui se mange sans faim mais hélas ne nourit pas son homme…

J’ai donc consommé ce soir un plat de navet que l’on doit à John Boorman. Cela s’appelle Excalibur, et ça parle de la culture de la pomme de terre au Nicaragua entre 1850 et 1892, ou presque.

Si vous êtes né au moins quelques années avant le Ouèbe, vous vous souvenez peut-être de ce film sorti en 1981 et pas trop acclamé par la critique, à juste titre.

Prêt à déguster du navet? C’est parti!

Le synopsis (ou quoi-qu’est-ce que ça raconte)

Ça se passe au moyen-âge ascendant «âge sombre», du côté de nos voisins grand-bretons. Uther Pendragon, un va-t-en-guerre un peu impulsif, tente d’unifier la Grande Bretagne en tuant les mecs qui ne sont pas trop d’accord. Pour cela, il est aidé par un sorcier, Merlin, qui lui confie une épée qui brille, Excalibur.

Uther fait alliance avec le Duc de Cornouailles, mais finalement préfère se faire la femme de celui-ci. Fin de l’alliance, qui aura duré quelques heures. Le Duc de Cornouailles meurt (bêtement), Uther fait un enfant illégitime à la femme de ce dernier, puis meurt à son tour après avoir planté son épée dans un rocher. Merlin récupère le bébé, et on sent déjà que cette histoire ça va être la merde.

Que se passe-t-il ensuite?

• Le fils illégitime, Arthur, retire l’épée un peu par hasard, et paf il est le roi.
• Il s’entoure de mecs en armure qui brille, et en quelques minutes ils unifient la Grande Bretagne.
• Et là c’est la paix, la prospérité, le château qui brille (!), la Table Ronde, etc.

Vous connaissez peut-être déjà la suite? Lancelot et la reine Guenièvre; la traîtrise de la demi-sœur du Roi, Morgane; la Quête du Graal; le fils illégitime (décidément, c’est une manie!) et incestueux d’Arthur et Morgane; etc. Au final, ça bastonne sec, les chevaliers de la Table Ronde meurent, Lancelot meurt, Morgane meurt, Mordred (le fils incestueux) meurt, Arthur meurt; et Excalibur est récupérée par la Dame du Lac. Fin.

Mon avis

Si vous venez de lire ce qui précède, vous avez une idée de l’impression que laisse le film: celle d’un enchaînement d’évènements insignifiants.

On a voulu faire rentrer, dans les deux heures vingt de ce film, la totalité de la saga arthurienne. Le résultat est un pudding indigeste. Les évènements se suivent sans qu’on ait eu le temps d’en exposer les motifs ou les conséquences. Du coup, la narration est très mécanique, et on ne suit l’histoire que distraitement.

Le pire, c’est qu’à aucun moment on n’a l’impression d’être face à des personnages. Les différents protagonistes se succèdent rapidement, et tous les personnages ont l’air de débarquer de nulle part, même les personnages principaux!

Je récapitule donc: pauvreté du scénario — je ne sais pas s’il s’éloigne beaucoup de la saga arthurienne que je connais mal, mais ça ne change rien à son indigence —, pauvreté des personnages, et absence de rythme.

Je terminerai juste en parlant de l’esthétique du film, qui hélas ne le rachète pas. Je sais bien que ce film date du début des années 80, et qu’il ne s’agit pas d’une méga-production dopée aux images de synthèse telle que le Seigneur des Anneaux, mais même avec peu de moyens on peut s’en sortir correctement, en faisant les bons choix. Par exemple:

1. Ne pas se laisser avoir par l’idée que le moyen-âge était l’âge des ténèbres. C’est faux. John Boorman en fait des tonnes, par exemple en mettant des figurants en haillons partout, et on sombre dans le ridicule (les personnages sont soit en armure-qui-brille, soit en haillons puants)
2. Fuir le kitsch. Boorman fait le contraire en mettant du machin qui brille partout dans son film. Les chevaliers de la Table Ronde ressemblent par moments à des chevaliers de pacotille. Le pire, c’est qu’ils sont en armure 24 heures sur 24, même pour voyager à cheval (ayant été chevalier dans une vie antérieure, je peux vous affirmer que c’est du grand n’importe quoi).

   
   Le jeune Arthur travaille son jeu d’acteur.

Pas grand chose pour sauver ce film, donc. Même les acteurs sont plutôt moyens.

Ah si, il y a tout de même une chose qui rend ce film vaguement regardable: le film ne transforme pas la saga arthurienne en une lutte entre le Bien et le Mal. Arthur essaie bien de nous entraîner sur ce terrain, quand il demande à Merlin «Où est le Mal maintenant?», une fois la paix rétablie. Heureusement, Merlin botte en touche. Pas de grande morale et pas d’épilogue après le massacre final. C’est déjà ça de pris.

Mais peut-être avez-vous gardé un souvenir ému de ce film, vu au cours d’une soirée VHS de votre adolescence? Si c’est le cas, vous pourrez vous confronter à l’amère réalité grâce au DVD du film.

Ce soir à 22h05, les quatre épisodes de cette mini-série réalisée par Vadim Jean seront diffusé intégralement.

C’est la veille de Noël à Disque-Monde mais le Père Porcher, alias le Père Noël, a disparu. Quand la Grande Faucheuse le cherche pour le prévenir du danger qui pèse sur lui, elle découvre les porcs du Père Porcher (faisant office de reines) et le traîneau à l’abandon. Le pire est alors à craindre ; si les cadeaux ne sont pas distribués aux enfants, l’espoir disparaîtra et le soleil ne rayonnera plus jamais. Plus habitué à manier la faux qu’à descendre dans les cheminées distribuer des jouets, la Faucheuse prend néanmoins le relais. Décidée à sauver le Père Porcher, La Mort fait équipe avec Susan, une gouvernante peu commune, et des magiciens de l’Université Invisible, mais le sablier de la vie du Père Porcher se vide à toute allure…

Le Père Porcher est le 20ième volume de la série des Annales du Disque-Monde, il est sorti en 2006 chez nos voisins britanniques sous son titre original: the Hogfather.

à noter que le film La huitième couleur est en cours de tournage pour la télé anglaise.

Dossiers et révisions font que je suis dans état second…
Se coucher à 2h-3h du mat pour finir un dossier sur l’intelligence économique ou sur l’analyse d’interfaces graphiques ou faire des exposés sans notes vous fait terminer la semaine dans un état de semi zombie……

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Les Spice Girls vous vous souvenez?

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Non? Mouhahaha, dommage pour vous elles ont ressorti un single: headlines

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Enfin, toujours est il que je suis en train de relever le défi de regarder Spice World, le film des Spice Girls en entier…
Que dire? ben c’est un vrai navet: dialogues creux, scènes surréalistes; à un moment les S G signent des autographes à des extraterrestres en plein milieu de la campagne anglaise  (au départ c’était pour  faire pipi…), playback?, scénario?

Un film qui sombrera dans l’oublie si la TNT arrête de nous reservir ces films qui  ne devraient pas avoir une seconde chance.
Attention, un navet n’est pas un nanard! Un nanard se regarde avec plaisir: cf les répliques d’un bon Chuck Norris!

Pour éviter d’être mauvaise langue, signalons que deux spice girls ont réussi à sortir du lot:

Geri Halliwell

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Melanie C:

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Après avoir réglé des histoires de gros sous avec les Studios New Line gelant tout projet, pas trop le choix, les studios sont détenteurs des droits, la situation semble se débloquer étant donné le communiqué conjoint qui annonce la nouvelle.

Le film sera tourné en deux volets, le tournage de Bilbo le Hobbit (The Hobbit. There and Back Again) commencerait en 2009 et les sorties prévues des deux films sont 2010 et 2011.

Vu ce que j’ai pu lire à droite et à gauche (et aussi vu que ce sera le cas des films de Tintin), il y a de grandes chances que ces films soient réalisés en « performance capture » (technologie utilisée dans le récent Beowulf de Robert Zemeckis) vu que Peter Jackson ainsi que d’autres grands réalisateurs Hollywoodiens (Steven Spielberg par exemple) semblent s’intéresser de plus en plus aux possibilités offertes par cette technologie.

En tous cas, c’était la bonne nouvelle cinéma du jour.

PS : on attends toujours une adaptation du cycle d’Elric le Nécromancien, on peut y croire…

My Blueberry Night

avec Norah Jones et Jude Law de Wong Kair-Way :

Une jeune femme parcourt l’Amérique pour trouver un sens à l’amour. Elle croisera sur son chemin une galerie de personnages étranges et excentriques.

Un film d’atmosphère, lent, lent…..Norah Jones s’en tire très bien pour sa 1ère expérience au cinéma.

Bande annonce (VOST) :

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Les femmes de ses rêves

des Frères Farelli avec Ben Stiller :

Un film dans la lignée de Mary à tout prix, sauf que là c’est beaucoup moins drôle, voire un peu vulgaire à mon gout, et on finit par se lasser des rôles de looseurs de Ben Stiller.

Bande annonce (VF) :

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La croisée des mondes : la boussole d’or

avec Nicole Kidman, Daniel Craig et Eva Green

Film fantastique , l’histoire ? abracadabrantesque !

Si vous aimez les films à la Harry Potter ou le Seigneurs des anneaux, allez -y, les effets spéciaux sont réussis

Personnellement, je me suis ennuyée comme rarement, seule Nicole Kidman, sublime, réussi à me maintenir en éveil…

Bande annonce (VOST) :

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I ‘m Not There

avec Cate Blanchett, Richard Gere, Christian Bale, Charlotte Gainsbourg :

Un film inspiré de la vie de Bob Dylan

Pour les fans de Bob, la BO est bien, normal c’est Dylan himself, mais quand on ne connaît pas trop le personnage et sa vie, ce n’est pas facile de suivre.

Bande annonce (VO) :

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Elizabeth : l’âge d’or

avec Cate Blanchett et Clive Owen :

L’histoire du règne autoritaire d’Elizabeth I sur fond de guerre sainte

Et bien contrairement à ce que je pensais, c’est pas mal du tout : c’est bien filmé, les costumes sont absolument magnifiques, Cate Blanchett confirme que c’est une des meilleures actrices du moment, Clive Owen confirme aussi son charisme tonitruand, et en plus on apprend plein de choses d’un point de vue historique, donc à voir.

Bande annonce (VO) :

Cliquer ici pour voir la vidéo.

Par contre, je me posais la question : comment font les gens qui doivent patienter une semaine entre chaque épisode? Ce doit être une véritable torture…

Bande annonce qui laisse entrevoir quelques sanglants détails qui me laissent à penser que nous n’allons pas avoir, comme lors du premier opus, un film tout public, mais bien une bonne grosse série B bien bourrine qui pourrait se rapprocher du Predator original, et ça, ce n’est pas une mauvaise nouvelle, loin de là.

Bon, par contre, pour les fans d’Aliens, j’ai bien peur que l’on s’éloigne définitivement de l’esprit initial que certains fans défendent à corps et à cris.

Pour résumer cette bande annonce, je crois qu’un mot , un seul s’impose, un mot que les fans du premier Predator comprendront aisément : CONTACCCCCCCCTTTTTTTT!!!!!

La deuxième bande annonce d’Aliens versus predator : Requiem

Le son n’est pas très bon, désolé.

Cliquer ici pour voir la vidéo.

Mouais, étrange comme ce genre d’entrée en matière est à la mode ces derniers temps, ceci dit, ça rentre dans le genre « cinéma bien bourrin je laisse mes neurones à l’entrée » comme je les aime. Je n’ai pas honte, j’adore les séries B…

Le truc qui tue, comme bien souvent, c’est le disclamer « All audience », en clair, c’est violent, mais pas méchant hein, vous ne verrez pas trop de sang gicler, ni de gros mots, ni de sexe, juste de la violence ordinaire…

La bande annonce :

Cliquer ici pour voir la vidéo.

Avec James « qui? » McAvoy, Angelina « banckable » Jolie et Morgan « encore un rôle de mentor alakon » Freeman.

Bon, ça sent quand même bien le film bouseux en salle et carton en Vidéo.

Un petit espoir, ça a été réalisé par Tibur Bekmambetov, le réalisateur de Night Watch dont j’avais beaucoup apprécié l’esthétique, même si le film en lui même est très (et c’est peu de le dire) bancal.

une belle brochette de films, captivants, très bien joués, certes un peu violents (attention âmes sensibles)

leurs points commun : un sujet principal qui tourne autour du trafic de drogue, de la mafia russe (très à la mode en ce moment), enquêtes de police

Les promesses de l’ombre avec Vincent Cassel , Viggo Mortensen et Naomie Watts ****

American Gangster avec Denzel Washington et Russel Crowe ****

La nuit nous appartient avec Joaquim Phoenix ****

Dans la vallée d’Elah avec Tommy Lee Jones et Charlize Theron ***

Que des films d’outre atlantique me direz-vous ? et oui car il faut bien l’avouer le cinéma français est un peu à la ramasse en ce moment….

C’est bien simple, au cinéma, nous avions passé la majeure partie du film à jouer au jeu : mais de quel film est tirée cette scène ?

Mais là, j’avoue, la bande annonce est alléchante :

Je suis faible, je sais déjà que je vais aller le voir…